去年暑假去日本的美術館，印象很深刻的是禁止拍照紀錄，什麼都沒有、以整個空間為展覽本身的豊島美術館甚至禁止拿筆紀錄。印象很深刻的是這種放下一切，只能專注眼前的觀賞經驗，彷彿進入了一個平行時空。 所以我其實不太懂臺灣看個展覽大家都擠在一起拍照的意思，好像沒拍就落人後了，
以前確實不喜歡去美術館，可能因為家裡離國美館不遠，但那裡的展覽真的很難懂，解說牌上有很多好像很厲害的文字，但其實小學生的我還是看不太懂（還有很多黑黑的小房間？像迷宮一樣的展場？）
長大以後才知道原來美術館也有流派。雖然我還是不知道國美館是什麼流派？但國美館的展覽確實很有深意，除了很多事大師級的創作，更有著光怪陸離的創作情境與理念（對，我是故意用光怪陸離來描述的，我覺得國美館的層次已經到超越我們這種凡夫俗子可以理解的範疇了XD）。
總而言之，生活中有這麼多的侷限和矛盾，除了叩問自身，藝術家透過即興，重新框架的體驗，不只是威官的多重刺激，更是賦予了作品生命，使之成為有機體。最後透過展場打造了想像的位移，置換觀眾的感受與體驗，彷彿切割出一塊空間，讓我們得以在藝術中重新思考和連結自己與世界的關係。那麼，藝術家想表達什麼？他有想要表達什麼嗎？他有沒有想表達什麼真的重要嗎？
我很喜歡的一個作品是《聲寺》，作者在一小片空地，擺了三個懸空的大鐘，外型我覺得很像巫師尖帽，觀眾可以自由穿梭在展覽空間中，甚至鑽到鐘的底下，由於並沒有撞鐘的設計，在裡面並沒有震耳欲聾的鐘聲，只有很安靜的、細細的白噪音與迴音（後來我查資料才知道，是藝術家利用聲音裝置播放廟宇的環境音），可以沈浸其中，創造了一個很特別的心流體驗。
這次的展覽挑戰了大家對聲音與表演認知的極限，有的作品拿掉演奏者，透過機關裝置使樂器自動演奏；有的作品錄製一整個交響樂團，卻拿掉樂曲的旋律（留下琴弦摩擦、琴鍵被按下以及衣服布料輕微的摩擦聲）；有的作品只擷取聲波的圖樣；有的作品將千里之外的聲音搬運到展覽會場……我覺得非常的前衛，就是都是取一個概念打造的曠世鉅作（？），總之很有意思，後勁很強，值得細細品味作者想表達的意思。
